Cena de Emaús. National Gallery de Londres

Por qué he elegido una copia, habiendo tantos y tan buenos originales de pintura, escultura, u orfebrería en el Museo. El cuadro que contemplamos es una muy buena copia, que ha pasado las últimas décadas en la ermita de las Mártires donde sufrió un notable desperfecto por la falta de condiciones adecuadas para su conservación.
La pintura fue recuperada en ocasión de la celebración del cuarto centenario del oscense Vincencio Juan de Lastanosa para el que el Instituto de Estudios Altoaragoneses realizó una serie de actividades. Entre ellas la producción de una exposición que se llevó a cabo en las salas de la Diputación de Huesca y del palacio de Villahermosa entre el 24 de abril y el 3 de junio de 2007.
Con motivo de dicha exposición la tela fue restaurada y pudo comprobarse, en el estudio realizado por la comisaria de la muestra, la doctora Carmen Morte, que se trataba de una excelente copia del cuadro del famoso maestro.


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El autor: Michelangelo Merisi, llamado Caravaggio (Milán, 1571) no fue un pintor acomodado a su tiempo ni como pintor ni como persona. Su primera visita a Roma, tras los estudios en el taller milanés del pintor Simone Peterzano, parece derivarse de una fuga producida por un asesinato.
En Roma encontró cobijo en la conocida como pensión de monseñor ensalada, por lo vegetariano de la dieta servida. Trabajó en el taller de Giuseppe Cesari que lo aplicó a pintar flores y frutos. En los primeros cuadros de Caravaggio no es extraño que aparezcan las figuras con racimos de uvas o canastos de frutas en las manos.
En 1601 pinta la cena de Emaús cuya copia admiramos ahora.
Los continuos incidentes en la calle le hicieron visitar con frecuencia la cárcel, fue juzgado en 1603 por difamar a uno de sus colegas pintores y el año siguiente fue de nuevo detenido por posesión de armas ilegales e insultos a la guardia de la ciudad. Fue denunciado por un hostelero por tirarle a la cara un plato de alcachofas... Tuvo que huir a Génova en 1605 tras herir a un notario por causa de su amante, Lena.
Poco después de su vuelta  a Roma visita el hospital diciendo que se ha herido al caer sobre su propia espada... Finalmente en mayo de 1606 mata a Tommasoni de Terni a causa de una disputa surgida en un juego de pelota, pero que en el fondo esconde la envidia mutua por los favores de sus protectores. Es sentenciado a ser decapitado, por lo que huye de nuevo y se refugia en las tierras de los Palestrina, Zagarolo y Paliano. En este periodo pinta la segunda versión de la cena de Emaús, mucho más oscura que la que ahora vemos. (Si bien la copia del Museo diocesano se ha oscurecido excesivamente en función del tiempo y de las condiciones que han acompañado al cuadro en las Mártires)

La fuga le lleva de nuevo a Nápoles y en 1607 se traslada a Malta donde siguen sus litigios pese a ser nombrado caballero de la orden de la que es expulsado tras mantener un duro enfrentamiento con un caballero de mayor rango y es encarcelado en La Valetta, de donde  se evade  para huir a la siciliana Siracusa.
De nuevo vuelve a Nápoles en 1609 donde sale malparado y desfigurado de una pelea con hombres de su adversario maltés. A principios de 1610 le llega la noticia de que el papa Pablo V está dispuesto a revocar la pena de muerte. Hace la travesía de Nápoles a Porto Ercole semi clandestinamente  pero tiene problemas de identificación en la frontera  de los territorios papales. El barco regresa antes de  que Caravaggio pueda recoger sus pertenencias entre las que se encontraba el cuadro con el que debía agradecer el perdón del sumo pontífice y es de nuevo encarcelado.
Por medio de los Orsini consigue ser liberado para recuperar su bagaje pero ese viaje será el último. Muere antes de conseguirlo el 18 de julio de 1610.
Algunos días después se recibió en Nápoles, en el Placio Carafa Colonna de la Marquesa Costanza, de donde Caravaggio había salido en secreto, el perdón papal.

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La pintura de Caravaggio
Tomaré prestadas palabras de mi profesor José Milicua para trazar un breve resumen de lo que representa el maestro italiano en la historia de la pintura.
La pintura de Caravaggio supone una profunda renovación realista, un nuevo modo de ver y de sentir, de inventar y representar, que caracteriza a ese espléndido periodo de la pintura europea del seiscientos en que están comprendidos, entre otros muchos maestros, Velázquez y Ribera, La Tour, Rembrandt o Vermeer. En la historia de la pintura no se  registra precedentemente una división tan honda y polémica como la que iba a provocar Caravaggio entre aficionados y colegas, con imitadores entusiastas y repudios que llegarían a nombrarle el Anticristo de la pintura...
Su gusto por la representación de escenas de la picaresca de lo cotidiano y su tratamiento de determinados temas religiosos, como su primera Magdalena, o el más conocido de la muerte de la Virgen no pasaron desapercibidos para nadie. Convertir en personas actuales los grandes temas clásicos topó, por descontado con la ortodoxia.
La muerte de la Virgen sin ninguna referencia a su inmediato tránsito contó con la inmediata repulsa eclesiástica lo que hizo que el espacio para el que fue pintado, la romana Santa María Della Scala quedara vacío y el cuadro fuera vendido al Duque de Mantua, aconsejado por uno de los jóvenes pintores que en ese momento estaban en Italia llamado Pedro Pablo Rubens. Actualmente está en el Louvre.  
La comparación entre esas dos Magdalenas, pertenecientes a los dos momentos extremos de su pintura, nos puede dar la clave del total de su trabajo. La Magdalena arrepentida del principio y la Magdalena doliente de diez años después ante la Virgen muerta. Ambas sentadas, vistas de arriba abajo, lo que acentúa la expresión de abatimiento. La primera es una muestra perfecta del caravaggismo claro. La segunda un bloque compacto labrado con grandes planos de luz y de sombra, con un gran poder de síntesis formal, concluye Milicua.


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El cuadro: la cena de Emaús
La escena de este óleo narra los primeros pasos de Cristo resucitado. Habiendo encontrado éste a dos de sus discípulos en el camino a Emaús, los hombres no reconocen a su maestro hasta el momento de la cena en una posada, pues al bendecir Jesús el pan y el vino reconocen el gesto de la Eucaristía y, por ende, a su Señor.
Caravaggio ha utilizado una composición muy frecuente en la pintura veneciana, en especial de Tiziano, con Cristo en el centro, acompañado de un sirviente. Sin embargo, ha llenado la escena de sutiles indicativos de la divinidad y el misterio desvelado de la resurrección, que algunos coetáneos de Caravaggio criticaron por ser inapropiados.  
Uno de estos elementos fue el cesto de frutas que adorna la mesa: copiado literalmente de uno de sus más famosos cuadros de juventud: Cesto de Frutas, se censuró el que contuviera frutos de otoño, cuando la resurrección había tenido lugar en primavera. Sin embargo, como ha sido notado por sus biógrafos, cada fruta es una alusión simbólica: la manzana al pecado original, la granada a la pasión, etc. Por otro lado, el resto de los manjares resume los elementos de la Eucaristía: el pan, el vino y la jarra de agua.  
Los gestos y las posiciones de los personajes también nos indican el verdadero significado de la escena: Cristo bendice el pan con el mismo gesto del Dios Creador del Juicio Final de Miguel Angel. Pedro extiende sus brazos en el mismo gesto de un crucificado, como lo fue Cristo y como lo habría de ser el apóstol más tarde. Sólo los discípulos pueden reconocer el gesto de Cristo, por lo que el criado, ignorante de lo que está presenciando, no se ha descubierto la cabeza como haría si reconociera al Mesías.
Un último detalle que revela la divinidad de Cristo oculta a los ojos humanos es la sombra que el criado proyecta sobre el fondo pero no sobre Jesús, quien parece iluminado por una luz interna.

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La copia del Museo Diocesano de Huesca.
Carmen Morte advertía en el catálogo de la exposición Lastanosa lo complicado que resulta conocer la mano que trazó esta copia. No menos de veinte están catalogadas a lo largo del mundo y para la doctora Morte, esta pudo ser realizado en Roma por añadir a la semejanza en las formas la exactitud con que han sido replicados los colores.
No considera que el nombre Asso, que aparece en el anverso tenga que ver con la autoría de la copia. También advierte de que la presencia de esta copia de Carvaggio no tiene que sorprender a nadie, si pensamos que Juan Francisco Andrés de Uztarroz en su Descripción del palacio y los jardines de Vincencio Juan de Lastanosa comenta la existencia de dos piezas de Caravaggio en la casa palacio del Coso Alto con dos temas muy propios del pintor: un Baco que respondería a su primera etapa y uno de figuras enteras del tamaño natural, que sobre el juego se hieren... muy autobiogáfico.
Leemos en el catálogo editado por el Instituto de Estudios Altoaragoneses para la Exposición Lastanosa que el lienzo tiene una preparación de color rojizo muy fina que permite ver la trama y la urdimbre de la tela en muchos puntos de la composición.

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Una pequeña reflexión final
Los objetos artísticos solo se completan cuando aparece la figura del espectador. Sin su presencia la pieza no existe. La observación de cualquier obra de arte se diferencia de la de un objeto común porque produce un movimiento interior en quien mira. No todos ni ante todas las piezas definidas como obras de arte por los especialista, notamos ese movimiento interior. Pero hay un paso imprescindible: mirar la pieza, que es a lo que os invito.

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